В Cube.Moscow открылось 15 новых выставок современного искусства

В большом выставочном зале арт-пространства Cube.Moscow открывается персональная выставка художницы Люси Вороновой «Живопись звуков, шумов и запахов» — экспозиция включает около 60 работ, большая часть из которых создана в последние два года и экспонируется впервые. Проект входит в ряд продолжающихся событий, приуроченных к 70-летнему юбилею Люси Вороновой, который отмечался в прошлом году.

Подписывайтесь на телеграм-канал Decornews.ru, чтобы не пропустить интересные новости

Художница Люся Воронова применяет в своих работах законы действия повторяющихся мотивов, как это происходит в орнаменте — одной из древнейших, наполненной глубоким смыслом форм самовыражения человека, или в музыке минимализма, где тема ветвится, прирастая едва различимыми вариациями и возвращаясь, как по спирали, в отправную точку уже на новом уровне. На выставке будут представлены произведения, относящиеся к разным периодам творчества художницы и отражающие трансформации ее авторского метода.

Среди новых проектов предстоящего открытия: персональная выставка Олега Хвостова «Мягкие ландшафты» PA Gallery, персональная выставка Викентия Нилина «Из серии “Майки”» Syntax Gallery, выставка Антона и Алексея Яковлевых «Знакомое лицо» 159F Gallery, выставка Суворовой Полины и Вероники Кудашовой «Та, что в лесах» галереи «Триптих», персональная выставка Александра Соколова «Сборник шахматных коанов» галереи ЛУЧ, персональная выставка Анны Сяровой «Внутреннее море. Южный флаг» галереи «Небеса», коллективная выставка «Природа натюрморта» галереи «КультПроект», персональная выставка Леонида Пелиха «Живая текстура» Arts Square Gallery, персональный проект Элины Марусовой «Литосфера» галереи M.A.R.S.H., коллективная выставка Law and Love Postrigay Gallery, а также коллективный проект «Виртуальность» нового резидента Cube.Moscow галереи artocratia.ru и pop-up проект от арт-платформы I.XII (ИКСИ) — персональная выставка Ольги Костеневой «Куда улетают синие птицы».

25 мая — 30 июня 2024
Персональная выставка Люси Вороновой «Живопись звуков, шумов и запахов», Фонд Люси Вороновой

Смотрите видео-обзоры самых интересных событий здесь

В творчестве Люси Вороновой четко прослеживаются периоды, которые шли как последовательно, сменяя друг друга, так и параллельно: минималистические пейзажи с одинокими деревьями, домиками и похожими на наскальные изображения животными соседствовали с серией портретов современников, затем пейзажи сменяются натюрмортами из растений и плодов с парящими на их фоне обнаженными фигурами. В работах же последних лет сюжетом становятся бесконечные вариации цветов, листьев и окружностей, сплетающихся в единую орнаментальную ткань — то, что раньше служило фоном, превращается в главное (и по сути единственное) действующее лицо, инструмент авторского высказывания, магнетически воздействующий на зрителя.

Название проекта отсылает к одноименному манифесту 1913 года одного из основателей футуризма Карло Карра, в котором он настаивает, что «художник должен быть вихрем сенсаций, живописной силой и энергией, а не холодным логическим интеллектом». Это утверждение в полной мере относится к творчеству Люси Вороновой, чьи полифонические и полиритмические полотна рождены внутренней необходимостью в гармонизации всех чувств. Художница безошибочно использует для решения своих задач весь арсенал профессиональных приемов и одновременно выступает в роли заговаривающего реальность шамана, в роли пророка, со всей искренностью и настойчивостью говорящего о том, что представляется ей необходимым и важным. Попадая в созданное этими работами силовое поле, зритель перестает быть внешним наблюдателем и начинает жить по его структурным законам.

А вы видели обзор выставки Романа Резницкого?

Люся Воронова применяет в своих работах законы действия повторяющихся мотивов, как это происходит в орнаменте — одной из древнейших, наполненной глубоким смыслом форм самовыражения человека, или в музыке минимализма, где тема ветвится, прирастая едва различимыми вариациями и возвращаясь, как по спирали, в отправную точку уже на новом уровне.

Подобно тому, как у Сезанна построение реальности происходит с помощью граненых объемов, из вихрей лепестков у Люси вырастает кристаллическая структура мира. Свободно оперируя масштабами, перестраивая фокус своей оптики с макросъемки в режим телескопа, она призывает совершить мгновенное путешествие от цветущего куста к космическим орбитам и обратно, тем самым подчеркивая их абсолютную равнозначность и идентичность.

Логика экспозиции в пространстве Cube.Moscow, следуя за творческой стратегией художницы, предполагает создание нескольких полузамкнутых комнат, сквозь которые проходит непрерывный поток перетекающих друг в друга живописных групп-вариаций.

Подписывайтесь на рассылку, чтобы не пропустить важные события

О художнице:

Люся Воронова родилась в Москве 15 декабря 1953 года. В 1969–1970 годах училась в Заочном народном университете искусств в мастерской Бориса Отарова. В 1971–1972 годах занималась в художественной студии Нугзара Мгалоблишвили. В 1978-м окончила с отличием художественный факультет Московского технологического института. Вступила в Молодежное объединение художников при СХ СССР. В 1987 и 1988 годах стала лауреатом премии «Лучшая работа года», учрежденной Московским союзом художников. В 2013-м отмечена медалью ордена Святой Анны и бронзовой медалью Российской академии художеств «Достойному», тогда же стала почетным членом академии. Участник многочисленных персональных и групповых проектов в России и за рубежом. Работы Люси находятся в собраниях Государственной Третьяковской галереи, Государственного Русского музея, Московского музея современного искусства, Пермской государственной картинной галереи, Псковского государственного объединенного историко-архитектурного и художественного музея-заповедника, Новосибирской картинной галереи, Мордовского республиканского музея изобразительных искусств имени С.Д. Эрьзи (Саранск), Государственного художественного музея Алтайского края (Барнаул), Самарского художественного музея, Рязанского государственного областного художественного музея имени И.П. Пожалостина, Музея органической культуры (Коломна), Музея Кирстен Кё (Фроструп, Дания), а также в частных коллекциях в России и за рубежом.

Читайте Удивительную историю японской художницы Яей Кусамы

Куратор: Алина Федорович. Архитектор: Дмитрий Пошвин. Фонд Люси Вороновой: Георгий Воронов (директор Фонда), Анастасия Шихова, Кирилл Иванов, Влада Лисняк.

Организаторы выставки выражают благодарность Руслану Мамедову за предоставленные работы и финансовую поддержку, а также Ануару Брахему за любезное разрешение использовать музыкальные композиции из его альбома The Astounding Eyes Of Rita.

25 мая — 25 июля 2024
Персональная выставка Олега Хвостова «Мягкие ландшафты», PA Gallery

PA Gallery открывает первую за четыре года персональную выставку Олега Хвостова, на которой будут представлены новые работы художника. В экспозиции — крупноформатный, три метра в длину, пейзаж; тройное тондо, впервые появляющееся у художника, также пейзажное, и, наконец, автопортрет в центре. Хвостов-экспозиционер так же лаконичен, как и Хвостов-живописец. Его прихотливо-избирательный взгляд, обращаясь к собственной художественной практике последнего десятилетия, подобно фильтру, кристаллизует ее до самых главных и личных для него жанровых форм.

Оптика, сквозь которую художник смотрит на мир и на себя самого, обладает двумя ключевыми свойствами. Во-первых, она редуцирует сложные и комплексные пласты визуального, погруженные в многовековой контекст истории искусств, до простых, но фундаментальных, единообразных форм-паттернов. Их отполированная гладкость и округлость материализует отношение к реальности как первичной «глине», из которой ваяется авторская вселенная. В новых работах характер самой образности начинает влиять на форму ее материального носителя — отсюда обращение к круглой форме холстов, заключающих в себе фрагменты мира, подобно неким пузырям.

Посмотрите, какие необычные работы фотографа Владимира Клавихо-Телепнева

Второе качество оптики Хвостова — серийность. Его образы не замыкаются отдельными произведениями, но повторяются, генерируются потоком, в котором автор непрерывно ищет, оттачивает собственную технику. Предъявляемая им модель мира, в целом, уже знакома зрителям по прошлым выставкам: контрастные градиентные цвета, геометрически выверенные композиции, однородные фоны. И одновременно насыщенная чувственность, соблазнительность образов при общей холодности, «диджитальности» палитры. Это по прежнему очевидно мягкий, упругий мир, которому нипочем внешние интервенции. Крупные масштабы полотен обнаруживают движение художника к большей монументальности.

Единственным неструктурируемым элементом реальной жизни выглядят собственные волосы художника, которые он внедряет в автопортрет. Этот прием, также неоднократно им опробованный, отсылает к мощам святых или мумификации, за которыми стоит идея нетленности. Используя воспроизводимый биоматериал, автор присутствует в своей работе прямо, непосредственно, как тело. Одновременно он обуздывает хаотичность волос клейкой субстанцией, вписывая их неустойчивую фактуру в свою живописную формулу порядка, основанного на мягкости.

Вспомним еще одну выставку для вдохновения

Автор текста: Константин Зацепин

25 мая — 30 июня 2024
Персональная выставка Александра Соколова «Сборник шахматных коанов», галерея ЛУЧ

В своем творчестве Александр Соколов постоянно обращается к теме игры. Выставка в галерее ЛУЧ посвящена феномену Anarchy Chess и представляет новую серию картин и объектов, созданных за время длительного путешествия автора по странам Азии.

Anarchy Chess — это одна из множества вариаций шахматных правил, которая появилась почти в шутку. Однажды пользователь Reddit с никнеймом Scurlocc предложил провести игру по следующим правилам: каждый ход выбирается по самому популярному комментарию, один ход в сутки. Правила классических шахмат при этом соблюдать не обязательно, поэтому участники стараются предложить максимально абсурдные ходы. Его предложение было тепло встречено сообществом, а за новыми правилами закрепилось название Anarchy Chess.

Художник считает, что это явление включает в себя все предыдущие и будущие изменения правил шахмат и требует новой логики мышления, более близкой к буддийскому коану*. Целью игры становится выход за пределы заранее заданных вариантов и переход от рациональной к более интуитивной точке зрения.

Читайте про Выдающегося английского художника и скульптора Генри Мура

Следуя этой идее, художник представляет первый сборник задач по Anarchy Chess, где задачи представлены не в виде книги, а в виде холстов и объектов. Для их решения требуется особый подход.

На выставке будут представлены скульптурные фигуры авторского шахматного Коня Александра Соколова, являющегося его визитной карточкой в стрит-арте, кинетический объект — призматрон, играющий со зрителем в прятки, а также восемь живописных работ с дополненной реальностью.

________________________________________

* Коа́н — загадка или короткая притча, содержащая проблему, не поддающуюся рациональному осмыслению; в дзен-буддизме – один из основных методов тренинга, помогающих достичь просветления. Главная цель коана – преобразование сознания практикующего с целью преодоления рамок дискурсивно-логического мышления, исходящего из дуального восприятия мира, и обретения интуитивного видения реальности, не отделяющего собственное «я» от окружающего «не-я».

О художнике:

Александр Соколов исследует игры и их интерфейсы, используя оптику современного искусства. Выпускник Свободных мастерских МMОМА и ИСИ Иосифа Бакштейна. Участник основных программ Вроцлавской биеннале медиаискусства WRO, The wrong biennale nº5 и 1-ой Карельской биеннале. Работы художника экспонировались на выставках в Московском музее современного искусства, Музее Вадима Сидура, ЦСИ Винзавод, ЦТИ Фабрика, Wro Art Center, а также во время различных фестивалей, таких как Ars Electronica Festival, CHEAP festival, Intervals, НУР.

Не забываем и про Советского художника, архитектора, пионера конструктивизма

25 мая — 30 июня 2024
Персональная выставка Викентия Нилина «Из серии “Майки”», Syntax Gallery

Викентий Нилин фотографирует уже сорок лет. Он же печатает майки со слоганами — и тоже довольно долго: лет двадцать с лишним. В рамках первой после восемнадцатилетнего перерыва персональной выставки автор обращается к обеим этим практикам, исследуя неочевидные взаимоотношения между картинкой и текстом. То есть делает ровно то, что завещали классики концептуализма.

Если вы откроете любой программный текст концептуалистов, можете наткнуться на подобную фразу: «Высказывание сконструировано таким образом, чтобы непрерывно ускользать от попытки интерпретации». Остается подробно описывать выставку, но это так же бессмысленно, поскольку в какой-то момент обнаруживаешь себя описывающим описание.

О художнике:

Викентий Нилин (р.1971, Москва) — российский художник, поэт, прозаик, фотограф. Учился во ВГИКе. С 1988 занимается своим проектами в области современного искусства. Работы художника находятся в собраниях Государственной Третьяковской Галереи (Москва), Мультимедиа Арт музея (Москва), Московского музея современного искусства (Москва), коллекции Чарльза Саатчи (Лондон).

Вам будет интересно прочитать Традиционный русский код. Что же это такое?

25 мая — 30 июня 2024
Выставка Антона и Алексея Яковлевых «Знакомое лицо», 159F Gallery

Художники братья Антон и Алексей Яковлевы родились в Калининграде, где в настоящий момент живут и работают. Братья Яковлевы исследуют темы одиночества, созерцания и красоты повседневности. Серии работ художников подобны визуальным дневникам, в которых они фиксируют эмоции, места, романтизируют быт, наблюдают за жизнью и беспрестанно конспектируют ее в разных гранях.

В мире, где каждый день наполнен событиями и впечатлениями, где жизнь мчится с невероятной скоростью, оставляя за собой лишь воспоминания, есть место, где время замирает, а внутренний мир становится видимым. Это остранение — использованный Виктором Шкловским в 1916 году литературный прием по устранению автоматизма восприятия, который способен наиболее полно раскрыться, пожалуй, именно в регистре современного искусства, в эпоху мимолетности и избыточности информации.

25 мая — 30 июня 2024
Выставка Суворовой Полины и Вероники Кудашовой «Та, что в лесах», галерея «Триптих»

Выставка «Та, что в лесах» — это художественное размышление о колыбели человечества. Художница Полина Суворова в своем творчестве говорит об архаичной роли женщины как матери в современном мире, в котором проявляется архетип «первозданной женщины». В свою очередь, художница Вероника Кудашова видит начало сущего в природе и ее мифологических образах: художница рассуждает о философии природы в современной цивилизации и о проблеме места и роли человека в природе. Художницы ведут диалог на эту тему не только на уровне смыслов, но и с помощью композиционных и колористических решений, порождая абсолютно новый и удивительно гармоничный мир.

25 мая — 30 июня 2024
Персональная выставка Элины Марусовой «Литосфера», M.A.R.S.H.

Там, где на стыке пластов воздвигаются горы и раздаются впадины мы наблюдаем наиболее заметные следы геологического процесса, который сам по себе оказывается по большей части скрыт от нас в толщах пород и напластований. Над горячим сердцем планеты плывут литосферные плиты. Их движение едва заметно, однако, неостановимо.

Их положение сверхдетерминировано. Это означает, что причин для каждого мгновения и каждого конкретного условия их существования более чем достаточно, и, вместе с тем, никакая финальная причина над ними не властна. Сами по себе они всецело пребывают во власти слепого исторического процесса, который разворачивается сам из себя, созидая себя в своих эффектах. Никакое «зачем» не предшествует их проявлению.

В своих работах художница Элина Марусова обращается к фактуре камня, создавая удивительно тонкую по своему звучанию минималистическую скульптуру. На выставке будут представлены две серии работ — холсты «Портреты камней» и кирпичики «Пейзажи», которые живописуют немое и неотвратимое в своей величественности движение хтонических слоев породы.

Куратор: Роман Шалганов.

25 мая — 30 июня 2024
Персональная выставка Анны Сяровой «Внутреннее море. Южный флаг», галерея «Небеса»

«Внутреннее море…»

Естественный процесс познания человеком мира движется от познания внешнего к внутреннему. Познание внешнего — процесс почти единый для всех. Человек исследует внешний мир полагаясь на органы чувств, источники с научными знаниями, на теории, подтвержденные опытом.

Поиск и познание внутреннего — процесс неявный, скрытый, идеализированный религиями и обществом. Как понять то, что не определено, не обладает формой и признаками вещества?

Внутреннее море — понятие в географии, означающее море, глубоко вдающееся в сушу и сообщающееся с мировым океаном по сравнительно узким проливам.

Художница Анна Сярова родилась и выросла на берегу Черного моря, и серия работ «внутреннее море…» — это плавный и осознанный переход в плоскость личного, где ровную линию горизонта, между небом и морем, художник предпочтет «актуальному», «современному» и «острому».

В этой плоскости Анна работает с пейзажем, объектами, предметными ассоциациями. Многие объекты для камерных работ были найдены на берегу моря после шторма. Странные обрывки ткани, предметы и пластиковые фигурки животных, со смягченными волной гранями… Анна нашла для себя формулу почти абстрактной композиции, идеальной южной пустоты, насыщенной знаками, вещами, цветом, зноем, тенями от пальм, ночным небом, созвездием Орион, и южным флагом из цветов олеандра.

«Южный флаг»

Часть экспозиции из зала «Внутреннего моря» ведет зрителя по пути созерцания, вымышленного и дополненного пейзажа моря и неба, тревожно-абстрактного — в работах из экспозиции «Южный флаг» акцент ставится на положении человека внутри ландшафта.

Флаг — точка фиксации, определения своего существования в данном месте и в данный момент. Работы Анны из этой серии посвящены берегу, земле, дому, т.е точкам опоры для Человека.

Экспозиция пронизана легкой меланхолией, жаждой тепла и «тихой гавани», мечтами о южных морях и розовом небе, где ты, оберегаемый зноем, ощущаешь полную безмятежность, хоть на короткий миг….

Куратор: Роман Куценко

О художнице:

Анна Сярова — закончила школу современного искусства «Свободные мастерские» ММОМА. Художественная практика и авторские проекты Анны имеют под собой основу личного психо-эмоционального феномена восприятия действительности. Трансформация мифа, сакральных, культурных смыслов, предметные ассоциации, природа, литература, музыка, объект, информация, переосмысленные и авторски интерпретированные, становятся источниками размышлений и композиций.

25 мая — 30 июня 2024
Коллективная выставка «Природа натюрморта», галерея «КультПроект»

Проект посвящен изучению природы натюрморта с момента зарождения и образования формы из неопределенной материи. Возникновение и кристаллизацию формы можно наблюдать в метафизических абстракциях Евгения Зарембы. Выразительные и полные внимания к природе фотографии Анны Хаят и Славы Пирского основаны на работе с уже исчезнувшими из производства широкоформатными пленками Polaroid. Работы авторов отличаются способом рассмотрения предмета, его положением в пространстве кадра, изменением и увеличением масштаба. Тонкие нюансы глубоких черно-серых тонов раскрывают и подчеркивают структуру изображения, меняя восприятие зрителя от привычного к особенному и неповторимому.

Живопись Татьяны Ян включает в себя натюрморты, предметы и композиции, извлеченные ею из древних фресок. Художник выступает в роли исследователя, создавая новую жизнь в пространстве картины с помощью культурных реминисценций. Это реконструкция материи, работа с общезначимым наследием, феноменом памяти, позволяющим интерпретировать историю в новом контексте.

О художниках:

Евгений Заремба родился в 1968 году в Омске. В 1992 г. Окончил художественно-графический в Омском педагогическом институте им. Горького. С 1993 г. началась активная творческая и выставочная деятельность. В 2016 г. переехал в г. Новосибирск. В 2021 г. Переехал в г. Санкт-Петербург. Член СХР с 2010 г. Работы находятся в коллекциях: Омский музей изобразительных искусств им. М. А. Врубеля; Городской музей «Искусство Омска» г. Омск; Государственный областной художественный музей «Либеров-центр» г. Омск; Новосибирский государственный художественный музей г. Новосибирск; Томский областной художественный музей г. Томск; Государственный художественный музей г. Ханты-Мансийск; Музей нонконформистского искусства , г. Санкт-Петербург; Красноярский культурно-исторический музейный комплекс; Кемеровский музей изобразительных искусств; Музей современного искусства «Эрарта» г. Санкт-Петербург.

Татьяна Ян родилась в 1965 г. Живет и работает в Москве. Живописец, график, графический дизайнер, скульптор, писатель, театральный художник. В 1987 году окончила Московский Полиграфический Институт. C 1993 годa член Московского Союза Художников. С 1992 года основное внимание уделяет станковой живописи. В 2006 году за цикл работ «Путь в Каппадокию» награждена серебряной медалью Российской Академии Художеств.

Анна Хаят и Слава Пирский работают вместе с 1999 года. Анна родилась в России в 1974 году и эмигрировала в Израиль в 1994 году. Изучал фотографию в колледже Хадасса в Иерусалиме (1997-2001). Слава родился в России в 1965 году, эмигрировал в Израиль в 1991 году. Получил художественное образование в ряде российских институтов.

Работы Хаят и Пирски были удостоены многочисленных премий, в том числе, Международной премии Polaroid Photography Award, IPA (International Photography Association), премиb Министерства абсорбции иммигрантов, премии за портретную и пейзажную фотографию Local Testimony (ежегодная выставка World Press Photo в Израиле), второй премии портретного конкурса журнала AAP.

25 мая — 30 июня 2024
Персональная выставка Леонида Пелиха «Живая текстура», Arts Square Gallery

Леонид Пелих — художник, график, абстракционист, работающий с различными материалами и техниками. Пелих родился в городе Орске в 1957 году, с 12 лет посещал изостудию М. Мешкова, в 1979 году окончил Оренбургское художественное училище.

Идеи художника воплощаются в синтезе духовной практики и художественного творчества. Визуальный язык Леонида Пелиха балансирует между органическим и геометрическим, между системным и случайным. Когда работы выполнены великолепно, когда из поля зрения выпадает цель и остается чистое наслаждение мастерством мы видим пятна света, разбросанные по поверхности, работу кисти, энергию и тонкость мазка. На работах Леонида Пелиха отражается порыв вдохновения передаваемый свободным движением тренированной руки.

В ретроспективной экспозиции представлены работы от нефигуративной графики через объекты и печатные формы до масштабной инсталляции. Глядя на некоторые работы, создается впечатление, что Леонид Пелих, ищущий правду в христианской духовной жизни, стимулирует и вдохновляет зрителя на ее поиск, но делает это на своем языке. Наскальные рисунки, дальневосточные мистические учения, дзэн-буддизм легче понять путем прорыва за пределы обычного рационального учения. В творчестве Леонида Пелиха прослеживается движение с христианской духовной культурой, в котором произведения соотносятся с прошлым и указывают на будущее. Каждая работа художника объединяет опыт веры и культуры, и призывает к новому исследованию, ведь только так можно разгадать увиденное. Когда исчезают прежние задачи, но на смену им приходят новые, творчество художника приходит к определенным целям, без чего невозможно подлинное искусство. Уникальность современного искусства заключается в том, что быть актуальным не интересно, а работы Леонида Пелиха обращены к тому, что нам опознать и отнести к чему-то довольно трудно.

Леонид Пелих участвовал в выставках в США, Лондоне, Германии. Работы хранятся в собраниях Русского музея и Третьяковской галереи, Калининградской и Новосибирской картинных галереях, в Орском краеведческом музее, в частных собраниях России, Канады, Англии, Франции, Италии, Израиля, Болгарии, Испании, Норвегии. Имя художника занесено в двухтомный альбом-каталог «Абстракция в России. XX век». Леониду Пелиху присуждена награда калининградского «Биеннале станковой графики».

25 мая — 30 июня 2024
Коллективный проект «Виртуальность», галерея artocratia.ru.

Проект «Виртуальность» в арт-пространстве Cube.Moscow — это первый офлайн-проект галереи artocratia.ru.

«Виртуальность» — коллективная выставка, которая переосмысляет тему гиперреальности, где ментальная, цифровая и физическая среды переходят одна в другую. Они либо перекрывают друг друга, либо создают неожиданные культурные сочетания, либо мешают нам видеть самих себя.

Каждый художник в проекте работает с этой темой по-своему. Так серия «Мерцание» Елизаветы Тульчинской показывает расфокус, близорукость, которая мешает нам увидеть себя. Ее продолжает серия «Виртуальный метеорит» — это размышление на тему будущих трансформаций человечества, которое в глазах художницы должно обрести четкую структуру, опору, чтобы прорастить прекрасные цветы будущего: любовь, счастье, взаимопонимания и прочее. Темы цифрового и реального продолжает работа Ангелины Поветьевой «Зеркало». Это взгляд искусственного интеллекта на человека, который художница пытается оживить с помощью традиционной техники — живописи. Ангелина создает картины пальцами, что дает изображению скульптурность, а картину сближает с объемным предметом, который в то же время выполнен в плоскости.

Эльмира Сафина обращается в своих работах к теме 90-х годов. На выставке галереи Артократии она покажет новую серию, которая работает с восприятием детей, выросших в 90-х годах прошлого столетия. Советский интерьер и ковры на стенах сочетаются с мультфильмами от Disney, которые смотрел каждый ребенок той эпохи. Яркие краски с экрана входят в контраст с серой реальностью, которая окружала этих же детей на улицах. Полина Филиппова в серии «Хрупкость» говорит о неком перевертыше: она создает живописные цветы на рентгеновских снимках. Это еще один технологический взгляд на человека, который делает его еще более прозрачным, чем все те программы и алгоритмы, которые следят за нашим поведением. На цифровом человеке растет только искусственная природа: Полина Филиппова пишет «голландский натюрморт» нашего времени.

Илья Овсянников в серии «Горизонты Гомера» дает некий выход в чистую матрицу света и цвета, которая образует в нашем воображении горизонт и его линию. Это своего рода ошибка, нарушение той гиперреальности, которая окружает нас сегодня. Подобно Марселю Дюшану художник ищет некий поворот в искусстве, который нарушает сложившиеся традиции. Отказ от яркого света и лишенная большого количества визуальных элементов живопись — это неожиданный поворот в сторону от пост-интернет искусства и живописного зомби-формализма.

Выставка «Виртуальность» исследует совершенные трансформации, которые происходят в обществе. Цифровизация человеческого сознания приводит к отторжению идей гуманизма и антропоцентризма. Вместо общения — алгоритмы общения, вместо людей —пользователи и подписчики, вместо действительности — цифровые среды и не-места. Как так получается, что любовь к природе заменяется виртуальностью общения с ней?

25 мая — 30 июня 2024
Pop-up проект. Персональная выставка Ольги Костеневой «Куда улетают синие птицы», арт-платформа I.XII (ИКСИ)

«Среди небес, стезей эфирной,

Вечерний ангел пролетал…»

Эти строки писателя и поэта Ивана Бунина проходят красной нитью через творчество художницы Ольги Костеневой.

Куда уносят нас «синие птицы» наших мечтаний? Эти существа не просто фантазии. Они наши мечты, надежды, стремления — все то, что движет нами вперед, что мы воплощаем в жизнь или чего лишь мечтаем достичь. На выставке каждая картина намекает на индивидуальный полет: в многих из них присутствует символ синей птицы или крылья ангела, которые, казалось бы, направляют свои силы к нашим самым сокровенным желаниям. Следуйте за синими птицами, и возможно, в этом полете вы обнаружите ту самую синюю птицу, которая живет где-то глубоко в вашем сердце или возможно отыщете крылья для своих собственных мечтаний.

О художнице:

Ольга Костенева работает в различных направлениях изобразительного искусства: масляной живописи, графике, владеет техникой горячего батика. Автор персональных творческих выставок, постоянный участник городских коллективных художественных выставок, областных, межрегиональных выставок, международных биеннале, победитель на международном конкурсе живописи «Дни славянского искусства в Берлине».

Стиль художника напоминает о детской наивности, нежности и мягкости, но каждый ее штрих — это исследование глубоких философских идей. В ее картинах натюрморты и пейзажи не просто изображают реальность, они переосмысливают ее, предлагая зрителю увидеть мир под другим углом. Элементы, казалось бы, простые и знакомые, в ее исполнении приобретают символическое значение, становясь ключами к пониманию универсальных истин. Работы автора — это не столько изображения, сколько порталы в мир, где главенствующие ценности — это счастье, покой, и красота. В своём художественном исследовании, подобно исцелителю, она наполняет свои работы энергией, которая обладает способностью воздействовать на эмоциональное состояние человека.

25 мая — 4 августа 2024
Коллективная выставка Law and Love, Postrigay Gallery

Новая выставка Postrigay Gallery Law and Love посвящена исследованию характера Бога и природы его законов. В экспозицию вошли произведения современных художниц Элины Марусовой, Инны Макаганчук, Маши Даниловской, Лены Марру, Варвары Выборовой, Марии Джонас Фарел, а также советского художника Ноя Геденидзе. Каждая работа — отражение одного из качеств Бога, через которые зритель может узнавать его как личность и выстраивать с ним свои взаимоотношения.

В центре выставки Law and Love — работы Элины Марусовой из серии «Камни», которые олицетворяют незыблемые заветы Бога. Это не просто закон, но обещание взаимной любви: Бог дает людям заповеди и становится их защитой. Картина Инны Макаганчук говорит о творческом подходе Бога, а произведения Маши Даниловской — о его вездесущести и схожести с «веянием тихого ветра». Работа Ноя Геденидзе выражает отеческое отношение Бога к людям. Произведение Лены Марру наводит на мысль о месте покоя и близости к Богу. Абстракции Варвары Выборовой передают радость и наслаждение Создателя его творениями. А полотно Марии Джонас Фарел напоминает, что Бог познал людей задолго до их рождения — «прежде, нежели образовал нас во чреве».

«Каждая работа в экспозиции — метафора, которая помогает увидеть разные черты Бога. Через понимание Его характера мы можем выстраивать отношения с Ним как с Личностью — чтобы познавать смысл жизни и жить в полноте», — куратор выставки Анастасия Постригай.